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Mon chagrin ne finira donc jamais ? [Regard sur « Madame Bovary » — Cie La Fiancée du Requin]

Mon chagrin ne finira donc jamais ? [Regard sur « Madame Bovary » — Cie La Fiancée du Requin]

De prime abord, le roman massif de Flaubert ne semble que peu compatible avec la scène du théâtre. Comment rendre compte en quatre-vingt dix minutes, sans grave omission, de l’entièreté de l’œuvre ? C’est à cette gageur que s’est attaqué la compagnie de la Fiancée du Requin. D’abord entre les mains de Paul Emond, qui travailla à l’adaptation du texte, puis entre celles de Gilles-Vincent Kapps et de Sandrine Molaro, à la mise en scène (et également au jeu).

J’avais pu assister, il y a deux ans à Bovary, pièce de province du strasbourgeois Mathias Moritz, au Maillon. J’avais été sensible à cette adaptation très libre du roman, et notamment à la place particulière qu’elle accordait au personnage de Charles. C’est donc secondé par ce souvenir que je me suis rendu au TAPS Scala, ce jeudi 26 janvier, pour vivre une deuxième fois l’expérience de la scène bovarienne.

Le ton est donné d’emblée, avec une scénographie très cinématographique de Barbara de Linburg. Le sol est une immense photographie de brins d’herbe et grimpe légèrement vers le fond de la scène où il est secondé par un panneau, lui aussi entièrement occupé par une photo démesurée : un village de campagne vu depuis une prairie. Diverses ambiances visuelles confortent cette première impression, mais elle demeure discrète.

Récompensé par deux Triomphes au Balcon et nominé au Molière de la révélation Féminine, Madame Bovary a été créé en septembre 2015 au Théâtre de Poche-Montparnasse. Après plus d’un an de jeu dans ledit espace, et un succès considérable, le spectacle vient juste de commencer à tourner, approchant actuellement des 250 représentations.

Retrouvez également la deuxième bande-annonce, plus cinématographique !
 



Le Mythe Bovary

Madame Bovary est l’une de ces œuvres si étroitement mêlées à l’esprit culturel commun qu’elle est qualifiée de classique. Et comme disait le poète, les classiques sont ces livres que personne ne lit et que tout le monde relit. Car l’histoire est connue, au moins dans ses grandes lignes. Emma, mariée à Charles Bovary, étouffe dans son existence morose. Dom Quichotte moderne, le cerveau abîmé par ses lectures de romans galants, et les fantasmes qui les ont accompagnés, elle est épouvantée par la mollesse du quotidien rural et modeste où sa condition l’enferme. Alors elle se débat. Madame Bovary c’est la lutte d’une femme contre une société, un ordre et les mœurs qui vont avec. C’est la quête effrénée et inlassable de la volupté, du plaisir, de la jouissance.

Sandrine Molaro © Brigitte Enguerand

Il est légitime de parler d’une mythologie bovarienne, tant la figure d’Emma a influencé les esprits et les œuvres. Le rayonnement qu’occasionna le scandale de sa parution (et son procès), les saluts unanimes de notre temps — et les éternelles classes du secondaire où le roman est programmé année après année — sont autant de marques de son extrême importance dans notre imaginaire collectif. Des Madames Bovary, nous en retrouvons au cinéma, dans la littérature et la peinture, que l’influence soit reconnue ou non. Plus que le personnage d’une œuvre de fiction —qui se pose d’ailleurs comme le témoin d’un milieu social — Emma est une icône, un symbole chargé de sens et d’histoire.

Au-delà de la lutte de l‘individu, c’est bien évidemment une incarnation de la condition féminine. La rébellion est sa marque. Et si elle peut nous sembler insouciante ou égoïste, il convient de la regarder en considérant sa situation. Enserrée dans une société patriarcale et millimétrée, elle parvient, usant de la naïveté passive de son époux, à se libérer peu à peu. Argent, réputation, famille s’en vont valser du côté des menus tracas. Et bien qu’elle se perde dans ses fastes et meurt avant l’heure, elle aura, du moins, vécu.

Bovary l’inédit

Il faut remarquer que, ces dernières années, la scène (française du moins) est de plus en plus marquée par des textes qui ne lui étaient pas destinés. De Daniel Keyes à Hölderlin, des journaux intimes aux correspondances épistolaires en passant par divers discours et essais, il semble que le théâtre cherche à puiser ailleurs que dans son propre patrimoine. Comme si les dramaturges ne parvenaient plus à étancher complètement sa soif, soif de nouveauté, d’expérimentation, et de textes inédits. Je suis fasciné par le procédé d’adaptation d’un texte (quelle que soit l’adaptation, par exemple la traduction). Il s’agit d’un ouvrage infiniment subtil qui consiste à saisir l’essence profonde et ineffable d’une œuvre puis de la retranscrire dans une nouvelle enveloppe, sous des traits neufs et avec des codes qui ne lui sont pas propres. L’opération est délicate et l’échec prompt.

C’est bien conscient de tous ces risques que Paul Emond, amoureux fou du roman, s’est lancé dans son travail. Soumis à de rudes contraintes, dont le nombre réduit d’acteurs, il inventa une forme atypique, brisant les canons de son art. En résulte un texte fourmillant, très mobile et étonnamment fidèle à la langue de Flaubert. Bien entendu, il s’agit là d’une vision particulière portée sur l’œuvre originale. Le texte n’a pas la prétention d’être la copie conforme théâtralisée du roman — mais quel intérêt à une telle chose ? Tout comme je vous livre les présents articles en assumant ma subjectivité, Paul Emond a gravé sa main dans son texte. Enchaînements de paroles variées, alternance constante de personnages et adresses au public, la pièce assume sa forme et en joue. De même agit Flaubert à la source, usant d’une narration prétendument détachée, mais distillant çà et là remarques, sous-entendus et pointes d’humour acéré.

Sandrine Molaro et David Talbot © Brigitte Enguerand

La pièce est bien moins enténébrée que je ne m’y attendais. Communément, Madame Bovary est entendu comme une histoire sombre et tragique de souffrance sociale et de mal d’amour. La fin même du texte (aménagée pour l’occasion et encore plus triste qu’à l’origine) peut renforcer le pessimisme qui découle du drame. Pourtant, l’interprétation est pétillante et joyeuse. C’est une Emma vivante que donne la compagnie. Charles notamment n’est pas dépeint comme le benêt habituellement raillé, et auquel s’accrochait l’un des spectateurs présents à la rencontre sur plateau. C’est en souriant que Gilles-Vincent Kapps rappela le droit, et même le devoir qu’à l’acteur de résister aux visons formatés que peut emporter avec lui le spectateur, et de lui offrir une nouvelle interprétation de ce qu’il croyait connaître depuis toujours. C’est là tout l’intérêt de travailler les grands classiques.

Scène ciselée et musicale

Tous les personnages sont incarnés par quatre acteurs. L’intention des deux metteurs en scène était de donner un corps privilégié aux figures les plus importantes à leurs yeux ; Emma bien sûr, et ses trois amours : Charles, Rodolphe et Léon. Les autres entités passent de façon fugitive, parfois successivement interprétées par différents comédiens. J’ai assisté à un véritable numéro de jonglage, et admiré l’habileté des praticiens. Sans que les costumes ou quoi que ce soit d’autre soit altéré pour indiquer les passages d’incarnations, la compréhension se fait immédiatement.

Les acteurs portent à merveille leurs rôles, malgré certains handicaps. Si Félix Kysyl est l’image même de Léon Dupuis, le jeune clerc de notaire, il était beaucoup moins probable qu’il incarne la mère de Charles — d’autant que David Talbot parait bien plus mûr que lui. Et pourtant, il est non seulement crédible, mais excellent. Et tandis qu’il alterne entre des personnages diamétralement opposés avec une aisance déconcertante, David Talbot joue un Charles tendre et innocent, sans le faire idiot. Sandrine Molaro campe une Emma atypique, loin de la jeune femme languissante et diaphane dont nous sommes coutumiers, mais profondément touchante. Elle vibre et tremble avec toutes les manifestations que je peux percevoir à la lecture du roman. Gilles-Vincent Kapps quant à lui est un Rodolphe superbe de flegme, et un pharmacien Homais délicieux. La voix docte et pédante, ses paroles roulent délicatement et c’est un vrai plaisir pour les oreilles. Moi qui suis hautement sensible à la voix et à la diction, j’ai trouvé ce soir-là, au-delà du plaisir intellectuel et réfléchi tiré de la pièce, une profonde plénitude acoustique.

Félix Kysyl, Sandrine Molaro, David Talbot et Gilles-Vincent Kapps © Brigitte Enguerand

C’est un spectacle musical, à la forme hybride. Oscillant continuellement entre le théâtre et le concert, les voix glissent de la déclamation au chant avec naturel, et si vite qu’elles sèment le trouble. Les acteurs ont pour seul mobilier quatre chaises de bois et une table. Divers instruments les entourent : guitares, violon, ukulélé, accordéon, harmonica. Les compositions musicales de Gilles-Vincent Kapps apportent une fraîcheur bienvenue. Fort agréables à mon goût, elles se présentent en instrumentales ou accompagnent les textes, chantés dans un mélange fort réussi. En résulte une approche très ludique et plaisante du roman. Il se dévore avec légèreté et gourmandise, là où une lecture — agréable, mais d’un plaisir autre, plus compact — demande bien d’avantage d’investissement et de concentration.

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J’ai vécu avec ce spectacle une soirée très plaisante. Je me suis procuré le CD contenant les diverses musiques et chansons jouées sur scène, dans des versions plus développées. J’emporte en plus des sempiternelles et précieuses plaquettes et feuilles de salle la marque de ce qui fit tout le sel de cette adaptation : une parole musicale, inédite, et respectueuse dans son insolente irrégularité.